On a interviewé Africantape

Julien Fernandez gère Africantape depuis cinq ans. Initialement retranché derrière les fûts de Chevreuil et Passe Montagne, il fonde le label de la cassette africaine comme on lâche un molard sur une industrie culturelle un peu trop uniforme à son goût. Pour reprendre ses termes ; en guise de « proposition esthétique disruptive« .

Et dès lors, amorce un flux continu de lancers de parpaings noise rock, désormais bien installés sur les flancs abruptes de la scène indé française, parmi lesquels siègent Marvin, Electric Electric, Papier Tigre ou encore les italiens de Three Second Kiss. Et si le label résonne souvent par ces formations plutôt visibles, il n’en a pas moins accouché d’albums davantage complexes et hermétiques tels que le dernier Micah Gaugh Trio ou Hey!Tonal.

Cinq ans. Une interview, présentement.

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                         Pour fêter les cinq ans du label, vous avez organisé une tournée collective en Europe avec huit groupes. Comment ça s’est passé? 

                                                                                                                                                            On va dire que l’expérience a été positive. Il a fallu des mois pour tout organiser, ça a vraiment été un travail laborieux et complexe.

Le public n’a pas toujours répondu présent mais dans la majorité des cas, ça a bien fonctionné. La principale difficulté, je crois, a été de faire accepter Micah Gaugh Trio qui est un groupe à forte influence jazz : la plupart des gens n’ont pas vraiment compris leur démarche, qui a mon humble avis est fantastique. Ça a été un peu décevant pour moi de voir que la curiosité des gens avait beaucoup de limites finalement.

                                                                              Quand vous êtes passés à Bruxelles lors de cette tournée, j’ai cru comprendre que tu visais « plus haut » pour certains groupes comme Electric Electric ou Peter Kernel, par exemple. Tu peux nous en dire plus?

                                                                                                                                                              Les groupes avec lesquels je travaille ont tous quelque chose qui me fascine. Certains ont un potentiel plus important que d’autres et j’aimerais, pour eux, réussir à les lancer vers quelque chose de plus intéressant qu’une simple sortie confidentielle sur le label.

Peter Kernel est un groupe qui a un potentiel extraordinaire. Ils méritent beaucoup plus : plus de visibilité, plus de presse, plus de présence dans les festivals. C’est ce que nous allons viser pour le prochain album qui sortira en 2014.

Et avec Electric Electric, malgré l’hermétisme de leur musique, les résultats ont été très positifs sur le dernier disque, ce qui est plutôt encourageant.

                                                                                                                                                            Après cinq ans d’activité et une quarantaine d’albums produits, quelle place penses-tu que le label occupe sur la scène indé française?

                                                                   Je ne me suis jamais posé la question. Je crois que le label reste cependant toujours dans la catégorie des petits labels mais je n’arrive pas vraiment à m’en rendre compte d’ici, en Italie. Pour moi ça n’a aucune importance ceci dit.

Aussi, en y pensant, la notion de « scène indé française, » ça ne me parle pas vraiment.

                                                              Comment se déroule le processus de production chez Africantape?

Ça dépend de chaque disque, de chaque groupe, de chaque projet.

Il faut rester réaliste : la production d’un projet a un coût (temps, enregistrement, mastering, pressage, promotion etc…) donc il faut avant tout réussir à le rembourser. Puis ensuite, je partage généralement les bénéfices 50/50 avec les artistes (si il y en a).

Après, il y a  aussi des cas de figure différents, des co-productions ou même parfois des projets qui se réalisent à perte.

                                                                                                                                                               Il semble que tu attaches pas mal d’importance à l’indépendance du label, non? Tu parviens toujours à préserver un contrôle intégral sur ce que tu produits?

Oui, c’est très important pour moi de conserver ce droit à l’indépendance, par contre je n’ai pas l’impression particulière de contrôler les choses.

Ce sont les groupes qui contrôlent leur musique et leur image. J’ai plus l’impression d’être ici pour les accompagner.

                                                                                              En 2011, le festival Africantape avait été une expérience assez vénère. 17 groupes, un public qui dépassait largement les frontières françaises, des salles blindées etc. Pourquoi ne pas avoir réitéré?

                                                                                              J’ai essayé de le refaire deux fois, mais pour des raisons d’organisation générale et de temps, je n’ai pas pu reproduire l’expérience.

Il faut dire que l’équipe Lyonnaise avec laquelle j’avais travaillé était fantastique ! Difficile de retrouver une telle équipe je dois dire.

Mais je compte bien refaire un festival à un moment ou à un autre. Patience…

                                                                                              T’as des nouvelles sorties sous le coude?

                                                                                              Pour le moment, un EP de The Martha’s Vineyard Ferries avec Bob Weston et Chris Brokaw, un 7″ de Camilla Sparksss et un 7″ (et un T-Shirt) de Ventura.

                                                                                                                                                               Et Chevreuil? Et Passe Montagne?

                                                                                                                                                             On est en pause, et ça fait du bien d’être en pause.

J’ai vu Gilles et Sam de Passe Montagne la semaine dernière à Rennes alors que j’étais en voyage avec le meilleur groupe de rock du monde (Big’n). Nous avons le projet de partir travailler sur le prochain disque en Colombie dès que ça sera possible.

Avec Tony (de Chevreuil, ndlr), on joue de temps à autres. On a très envie de faire un prochain disque avec Mitch Cheney de Rumah Sakit.

Mais quand? Comment? Rien n’est défini pour le moment et ce n’est pas dans nos priorités immédiates.

 

« Beograd Underground », un docu sur les caves serbes

 

 

 

 

 

 

 

 

Donc vous avez sûrement remarqué, après avoir avoir rencontré des relous passéistes des sous-cultures de caves par exemple (« c’était mieux avant »), la difficulté de cerner les contours de l’underground. Il se trouve justement que le documentaire dont il s’agit ici tente d’assembler le puzzle à Belgrade, et de définir ce que les sociologues qualifient davantage d’idiome que d’activité socio-culturelle clairement organisée et identifiable.

L’image se heurte à ce flou identitaire. Et face à l’impressionnante diversité des pratiques qui défilent devant ses yeux, la réalisatrice juxtapose les témoignages, compose une vaste mosaïque multidisciplinaire et attend, éventuellement, qu’un substrat commun pointe le bout de son nez.       Si les termes mainstream, mass, ou medias s’amoncèlent comme autant d’insultes formant le ciment commun d’un régime d’opposition cohésif, les propos convergent progressivement vers une proposition fondamentale : la nécessité d’un ennemi unique et facilement identifiable – ici, Slobodan Milošević jusqu’à 2000 – pour une contre-réaction culturelle unie et pour une définition commune. Et de la difficulté de se redéfinir dans une présumée démocratie libérale, où les adversaires sont multiples, parfois anonymes et souvent transversaux.

En gros, ça n’a rien à voir avec Mickey. Le docu est sorti en 2012 (oui, on est en retard) et est visionnable en intégralité ici.

 

Playlist #10

Sightings – « Terribly Well »

Dais Records

2019. Le rythme a disparu. La mélodie aussi. Il n’y a plus que la lente respiration mécanique d’un monde-usine rouillé à deux doigts de s’écrouler. Et hop, Sightings t’embarquent illico presto dans les bas-fonds de Blade Runner.

Pour faire vite

Sightings = no wave – trio new-yorkais – 9 albums – la fin du monde en version crissante

Pour faire moins vite

Ridley Scott peut aller se faire foutre. Parce que Terribly Well reproduit un monde aliéné avec seulement trois instruments. Parce qu’avec Sightings, tous les êtres humains sont des réplicants. Tels les prédicateurs funestes d’un avenir imminent, le trio distille une pré-apocalypse industrielle infernale, une ville cyberpunk au bout du roulot et entièrement déstructurée. Et le plus beau, c’est que ça fait terriblement envie.

La mécanique mise en oeuvre dans cet album est complètement démente. Terribly Well sonne comme si chaque musicien jouait dans une direction diamétralement opposée à celles des deux autres, comme si le trio s’était mis d’accord pour détruire chaque embryon de structure musicale tangible. Le bassiste donne un rythme erratique, le guitariste fait crisser des arcs électriques aléatoires et le batteur s’arrange pour tout faire planter.                                                             Sightings explorent les voies du minimalisme dissonant, reproduisent des écosystèmes électroniques défaillants en guise d’entractes et synthétisent des fièvres mécaniques. Et puis il y a du tango détraqué, aussi.                                                                                                     Curieusement, c’est dans ce chaos que l’on retrouve les derniers souvenirs d’une discipline rythmique, comme les empreintes fugitives du dictat de la machine-monde. À ce titre, il faut parler de Better Fastened. Parce que c’est le lyrisme d’un défilé militaire qui se barre en syncope. Parce que le morceau raconte la dernière marche d’un simili-être-humain rouillé jusqu’à l’os.

En somme, Terribly Well résonne comme les dernières plaintes d’une humanité à l’agonie entre deux crissements de guitare. Avec Sightings, l’apocalypse n’aura jamais été aussi séduisante.

 

Ventura – « Ultima Necat »

Africantape – Vitesse Records

Ventura ont sorti « Ultima Necat » le 25 mars.

Pour faire vite

Ventura = trio suisse – trois albums – « Ventura est un navire de croisière » (Wikipedia)

Pour faire moins vite

Depuis « We Recruit », Ventura ont eu trois ans pour bouffer de la testostérone, triturer leur colère et ruminer leur tristesse. Le constat est évident dès la première écoute : le groupe a gagné plusieurs kilos de masse musculaire et tricote sa fureur avec la laine du désespoir. Ventura est plus rapide, plus lourd, plus puissant.                                                                                                                                « Ultima Necat » impose une plastique incandescente, un bouillonnement de larmes et de fureur où guitare et basse s’entremêlent sur des autoroutes rythmiques. Ça frappe fort et juste, on sent presque les baguettes se tordre de douleur à chaque coup porté sur les fûts. Tout est entrelacé, tout se mélange, les couches de guitares se superposent, se chevauchent, éclatent, s’arrêtent brutalement. Au milieu du magma : une voix. Isolée, fébrile, recroquevillée dans un espace minuscule préservé du bouillonnement infernal.

Il faut parler de « Nothing Else Mattered ». Au moins à titre thérapeutique. Parce que le morceau va se faufiler dans des centaines de cortex préfrontaux. Parce que les propriétaires desdits cerveaux vont galérer à s’en débarrasser.                                                                                                          « Nothing Else Mattered », c’est la puissance, c’est un guépard, c’est la beauté, c’est la terreur. Il faudrait faire un discours pour « Nothing Else Mattered ». Il faudrait remettre une récompense équestre à Ventura, aussi.

Dans le fond, le trio ne fait qu’étayer les contradictions qui l’animent depuis le début : ériger un sombre équilibre entre fureur et mélancolie, isoler une voix fébrile au milieu d’une éruption volcanique, construire le calme à l’intérieur de la tempête.                                                                  Et ça, il le fait de mieux en mieux.

Micah Gaugh Trio – « The Blue Fairy Mermaid Princess »

Africantape

Années 90. Trois musiciens essaient tant bien que mal d’empiler des instruments les uns sur les autres. Une structure apparaît, puis tout s’écroule. Ça s’appelle Micah Gaugh Trio.

Pour faire vite

Micah Gaugh Trio = jazz dynamité – 14 heures d’enregistrement condensées en 12 morceaux – un goût fort prononcé pour l’improvisation

Pour faire moins vite

Chroniquer Micah Gaugh Trio, c’est sévèrement casse-gueule. Surtout quand on n’y connait rien en jazz. Surtout quand on a une cédéthèque (oui oui) nichée dans une interstice assez serrée, coincée entre Sightings et Enablers. Autant la jouer franc-jeu: on laisse de côté la critique comparée.

Micah Gaugh Trio opère par glissements, par tentatives de construction. À cheval entre bruitisme instrumental et miracles d’improvisation, le trio produit un ensemble bringuebalant tantôt décousu, tantôt rutilant. Les baguettes du batteur se cassent la gueule, une fille du public se met à crier, puis d’un seul coup, tout fait sens. Puis tout s’écroule à nouveau.

Le jeu du trio s’étend de la brève balade mélancolique à l’explosion mélodique, en passant par de longues plaintes de pachyderme et des tourbillons de percussions désarticulées. Les compositions sont douces, pétaradent gentiment et laissent un léger goût de langueur nostalgique. Celle des longues heures passées avachi sur la banquette en cuir d’un bar érigé en quartier général. Le temps se dilate, les discussions s’éternisent.

En fait, « The Blue Fairy Mermaid Princess » tente de capturer la fragilité de l’instant, en permanence sur la brèche entre création fébrile et vautrage total.                                                                           Micah Gaugh Trio, ça déploie une esthétique de l’éphémère.

 

Les concerts à ne pas manquer

 

PAPIER TIGRE

Janvier 25  |  Rambouillet  |  L’Usine à Chapeaux 

Février 1  |  Rouen   |  Le Kalif 

Avril 4  |  Rennes  |  Mondo Bizarro

 

PAPAYE

Janvier 13  |  Amiens  |   Grand Wazoo

Mars 14  |  Vouvray  |  Bouchon

Mars 15  |  Chelles  |  Les Cuizines

 

DEERHOOF

Mars 11  |  Amiens  |  Lune des Pirates

Mars 12  |  Nantes  |  Stereolux

Mars 12  |  Quimper  |  Les Hivernautes

Mars 14  |  Le Havre  |  Le Tetris

Mars 15   |  Chelles  |  Les Cuizines

Mars 16  |  Dijon  |  Le Consortium 

Playlist #9

« Do It Together », le docu du DIY

Depuis deux ans, une équipe de hollandais volants parcourt les salles underground d’Europe et des Etats-Unis pour réaliser un documentaire sur le DIY et les musiques indépendantes.                                              Le panorama s’annonce sévèrement gonflé puisqu’ils sont passés par l’Electrical Audio de Steve Albini, les coulisses d’Africantape et la cave de Dan Deacon. Ils ont même été faire la bise à Deerhoof, Adebisi Shank ou encore The Jesus Lizard.

Selon le réalisateur, Alek Riquelme, le film scrute ces mouvances à travers la dimension collaborative du travail entre groupes, et trace les contours d’une carte du DIY aujourd’hui: « I think you’ll see some compelling arguments to get you out there making music, and some experiences that might help you understand some more about how it is to be an independent musician. A lot of the people in our movie have already encountered the ups and downs, and I think that might be useful to a new band. »

Un site officiel et des teasers devraient voir le jour dans les semaines à suivre. Pour ce qui est de la sortie du documentaire, ça devrait être pour février: « I can’t realistically set a sure date for the release, I don’t wanna rush things, but I’d hope for february… »

 

On a interviewé ChooChooShoeShoot

ChooChooShoeShoot a sorti un album comme on jette un parpaing sur la voisine fan de hardtek. Ça s’appelle Playland.

On les a interviewés au détour d’un comité de monitoring, histoire de voir s’ils étaient aussi agréables que leur musique. Ça parle de noise sous les tropiques, de DRH hasardeuse, de terminologie musicale et de vision stratégique à long terme.

Quelques minutes plus tard, le quatuor nantais torchait un set infernal, encore plus glacé qu’un P’tit Gregory. Ça cogne, ça gueule, ça grince.

Three Second Kiss – « Tastyville »

Africantape

Trois italiens font glisser des guitares sur des rythmiques en lambeaux. Ça s’appelle Three Second Kiss.

Pour faire vite

Three Second Kiss = noise rock pour matheux – 5 albums – mastering signé Bob Weston (= ça déboîte)

Pour faire moins vite

Les habitués de Three Second Kiss risquent de se prendre une claque. Parce que le groupe avait pour habitude de faire du math/noise rock en bonne et due forme, le majeur tendu vers toute tentative mélodique: batterie écartelée, guitares déchirées comme du papier cadeau le jour de Noël.

Là, ça change. Three Second Kiss proposent un math rock à mille lieues des tornades rythmiques et des fractures cérébrales symptomatiques du genre. On écoute Tastyville comme pour panser ses blessures après s’être frité avec Zach Hill ou Electric Electric.

« Tastyville », ça déploie des atmosphères aériennes, avec un batteur en lévitation sur une voix vaporeuse et des guitares imbibées de barbituriques. Le jeu consiste à alterner dissonance pure et passages apaisés ou ballades champêtres.                                                                                    Chaque morceau opère comme une douce léthargie noise rock. Chaque élément est pesé, mesuré, puis agencé avec soin.                                                                                                                 Parfois, ça éclate. Mais doucement. Juste des petites secousses pour dissiper la torpeur.                La stagiaire dit que ça sonne comme un US Maple roulant une galoche à Enablers. Pas conne, la stagiaire.

En fait, « Tastyville » empreinte les chemins tortueux d’un noise rock boisé et apaisé, lesquels regorgent de retournements de situation et de cavalcades rythmiques.                                     « Tastyville », ça dégage une sérénité dissonante et alambiquée, une complexité toute en douceur.

 

HEALTH, nouvel album en préparation

Le dernier skeud de HEALTH, c’est une BO pour Max Pain 3. Pas de quoi se faire déchirer les tympans.

Mais d’après une interview accordée à Pitchfork, les quatre californiens sortiront un troisième opus dans peu de temps: « It’s pretty much written in its entirety, we’re testing things out live. »

Selon le groupe, le résultat sera aussi chargé en percussions qu’à l’accoutumée, mais accueillera plus de sons électroniques et utilisera des éléments des albums de remix.

« As far as a tag line goes, we said the first record sounded « evil, » and the second one was « sad-evil, » so this one is bordering on more melancholic » […]

 

« Discipline », math-rock in vitro

Herzfeld – Kythibong – Africantape – Murailles Music

Le dernier Electric Electric est sorti le 3 octobre. Dis adieu à tes enceintes.

Pour faire vite

Electric Electric = gros math-rock pour épileptique – 2 albums – trois strasbourgeois – des centaines de crampes cérébrales

Pour faire moins vite

Après un premier album sorti il y a trois ans, Electric Electric nous avaient laissés à moitié morts sur un dancefloor encore fumant. Et pour cause, « Sad Cities Handclappers » crachait 11 titres d’une apocalypse complexe et dansante, en conjugant mélodies répétitives et rythmes chaotiques. Dès lors, le tonnerre instrumental des trois strasbourgeois soufflait des enceintes comme des châteaux de carte.                                                                                            Après avoir sorti un truc pareil, difficile de débouler sans prévenir.

C’est ainsi qu’arrive « Discipline », remorqué par un troupeau de chroniques gentiment stéroïdées (dont celle-ci fait partie) promettant toutes le grand frisson instantané, la paire de claque intergalactique. Critiques justifiées puisque, s’il marque un pas vers la saturation auditive, l’album inspire en tout cas le respect du perfectionniste cocaïnomane.

Grincements métalliques, déstructurations rythmiques, pesanteur écrasante, claviers empruntés aux tontons Battles, l’album concentre les attributs d’un math-rock tropical et parfois éthéré au service d’une transe plus ou moins spontanée. Les rythmes sont endiablés, les voix résonnent d’une torpeur à l’opium, les bruits fusent et laissent de rares respirations dans une atmosphère saturée d’effets.

Avec « Discipline », Electric Electric perd en violence claire pour aller puiser dans des textures denses et synthétiques, appuyées par un batteur omniprésent (deux cerveaux, 8 bras) et des sons électroniques foisonnants. Le tout joué avec une rigueur implacable.                                           En somme, le groupe va creuser son esthétique dans une jungle urbaine moite et épileptique, observée à travers le verre froid des lunettes d’un scientifique. Tel l’artwork de l’album, « Discipline » est un monument glaçant de complexité aux multiples nuances de gris et débordant de crevasses imprévisibles.

S’il y a une chose à déplorer, c’est qu’en affinant considérablement son jeu, Electric Electric ne parvient plus à exploser. Surcharge pondérale. C’est là toute la différence avec « Sad Cities Handclappers ».                                                                                                                       En réalité, « Discipline » synthétise une jungle tropicale dans une grosse éprouvette de laboratoire. Comme une nouvelle vision du math-rock.

 

Æcstasy – « I’m Gonna Make You Shiver »

Alors que la scène du rock indé français reproduit ses propres clones congénitaux surgonflés au math et noise rock, Æcstasy propose enfin une alternative à la religion Zach Hill – Shellac – Battles (au choix). Ça envoie.

Pour faire vite

Æcstasy = rock lubrique, suave et pointu qui fleure bon les Desert Sessions ou Queens Of The Stone Age – quatuor parisien – des histoires de substance illicites, d’absinthe et de premières fois.

Pour faire moins vite

Æcstasy, c’est un dialogue enflammé entre deux guitares, bien calées sur des rythmiques pointues et incisives, le tout dorloté par une basse généreuse et un chant languissant.

Pour ce qui est de la fatidique classification du genre, on pourrait sûrement parler de noise-math-truc-chantilly-rock. Mais non. On dira simplement que Æcstasy, c’est un genre de noise rock électrisé, en plus volatile et moins dissonant. D’autres préféreront le terme « sexperimental rock ». Ça colle aussi.

Avec l’EP « I’m Gonna Make You Shiver » le groupe se taille une esthétique ondulante et électrique portée par des guitares lancinantes et des structures instables. De fait, les compositions sont toujours inventives et regorgent de bonnes surprises capables de te balader d’un bout à l’autre de ton casque, sans pour autant aller se pommer sur les terrains abrupts du math rock. Sur ce point là, on salue le batteur pour sa capacité à aligner des rythmiques binaires puis tout fragmenter en particules incisives version scalpel (« And They Said… I’m Gonna Make You Shiver Like Your First Fever »). C’est très fin.

On retiendra par ailleurs un goût fort prononcé pour les atmosphères moites et fiévreuses, étayé par des distorsions assez bandantes sur les guitares et l’ajout de samples certes discrets, mais ô combien efficaces. En cela, Aecstasy puise clairement dans les textures de chez Lynch pour sa sensualité et ses ruptures narratives.

En somme, c’est joueur, ludique et vachement efficace.

 

Picore – « Imagìnate Que Acierto »

Magofermin

Le dernier Picore est sorti en Juin 2011. Un petit bijoux noise 24 carats.

Pour faire vite

Picore = noise-rock pointu et flamboyant – quartet espagnol – 4 albums

Pour faire moins vite

Picore est un sublime animal aussi rare qu’indomptable. Né sous le soleil méditerranéen, il préfère se languir à l’ombre de la pinède, loin du tumulte de la ville. Son chant est envoûtant, tortueux et gorgé de soleil. En chasse, le carnivore est un prédateur redoutable. Il fond sur sa proie sans bruit, laquelle n’a aucune issue pour échapper au sort qui lui est réservé.                                                                                                                             Voilà pour l’article version documentaire Arte sur la faune espagnole. Pour ce qui est de la chronique musicale, on dira simplement que Picore, c’est de la bombe.

« Imagìnate Que Acierto », c’est un rock généreux, pointu et alambiqué porté par des guitares lancinantes et des rythmiques agiles de grand prédateur. Oscillant entre incisions noise millimétrées et balades abrasives, l’album te cloue fermement le casque aux oreilles pendant une bonne demi-heure.

Dans l’ensemble, on remarquera le superbe « Prisa Mata Amigo » avec son entrelacement basse-guitare languissant et ses rythmiques bondissantes. Puis viendra la ballade triste « Empuja », animée de sursauts noise fiévreux délivrant des salves aussi mélancoliques qu’enjouées.           Par la suite, on se laissera surprendre par les invectives mélodiques de « La Faena », la guitare brûlante de « Communico », les convulsions rythmiques maîtrisées de « Campeon », la grosse basse fatiguée du final « Milagros ».

En somme, « Imaginate Que Acierto » impressionne par sa finesse et sa généreuse mélancolie.   À écouter jusqu’à plus soif.